Electronics as an Instrument

 

One of the most crucial aspects defining my approach to electronic music is the concept of the musical instrument. This feature is relevant not only because most of the electronic music I’ve created is performed live with a modular synthesizer but also because the way I use the synthesizer is heavily influenced by the perspective derived from my classical instrumental training.

 

The modular synthesizer is a type of synthesizer composed of different parts or modules. Instead of being soldered and fixedly connected, these modules communicate by sending and receiving voltage through cables that each user decides to connect as they see fit. In the world of modular synthesis, there is an overwhelming variety of formats, approaches, aesthetics, sound typologies, and contexts in which it is used. Among all that diversity, the most important feature is its customizability. Each user can configure their instrument based on the music they want to create, choosing the modules that best suit their purposes.

La electrónica como instrumento

 

Uno de los aspectos más importantes que definen mi enfoque hacia la música electrónica es la noción de instrumento musical. Esta característica es relevante no solo porque la mayoría de la música electrónica que he creado se interpreta en vivo con un sintetizador modular, sino también porque el uso que le doy al sintetizador está fuertemente influenciado por la perspectiva que se deriva de mi formación instrumental clásica.

 

El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que está formado por diferentes partes o módulos que, en lugar de estar soldados y conectados de manera fija, se comunican entre ellos enviando y recibiendo voltaje a través de cables que cada usuario decide conectar como cree conveniente. En el mundo de la síntesis modular, hay una variedad inabarcable de formatos, enfoques, estéticas, tipologías de sonidos y contextos en los que se utiliza. De entre toda esa diversidad, la característica más importante es que es personalizable. Cada usuario puede configurar su instrumento en base a la música que quiere realizar, eligiendo los módulos que más se adapten a sus propósitos.

My approach to these instruments has been to enhance interaction, i.e., the ability to trigger and manipulate sound in real time. This is by no means the only or best way to make electronic music, even live; it is simply the type of music I want to create. The configuration I have chosen for my synthesizer is just a tiny option among all the possibilities. I know about 1% of everything I could do with my instrument; my goal is to develop and deepen that 1%, not to do everything that would be possible.

 

One reason for my interest in interaction and the performative act is that a significant portion of the music I have created with electronic means has been chamber music with other acoustic instruments. I need to be able to go to rehearsals and interact with other musicians; articulate musical ideas, control dynamics, respond, and engage in dialogue with others’ decisions, with the same level of nuances as the rest of the instruments. Therefore, I must find strategies to ensure that the synthesizer’s musical discourse is not rigid.

 

The following example (a snippet of “Compression Music”) shows one of the first pieces in which I place the synthesizer (and the sampler) in a chamber music context. In this excerpt, you can appreciate the interaction between the various musical ideas of different acoustic instruments and the synthesizer.

Mi aproximación hacia estos instrumentos ha sido potenciar la interacción, es decir, la capacidad de accionar y manipular el sonido en tiempo real. Esta no es en absoluto la única y mejor manera de realizar música electrónica, ni siquiera en vivo; es simplemente la necesaria para posibilitar el tipo de música que quiero realizar. La configuración que he elegido para mi sintetizador es solo una opción ínfima entre todas las posibles. Conozco alrededor de un 1% de todo lo que podría llegar a hacer con mi instrumento; mi propósito es desarrollar y profundizar en ese 1%, no realizar todo lo que sería posible.

 

Uno de los motivos por mi interés en la interacción y el acto performativo es que gran parte de la música que he realizado con medios electrónicos ha sido música de cámara con otros instrumentos acústicos. Necesito poder ir a los ensayos y poder interactuar con los otros músicos; articular las ideas musicales, controlar las dinámicas, responder y dialogar con las decisiones de los demás, con el mismo nivel de matices que el resto de los instrumentos. Por ello, debo encontrar estrategias para que el discurso musical del sintetizador no sea rígido.

 

El siguiente ejemplo (un fragmento de “Compression Music”) muestra una de las primeras piezas en las que sitúo el sintetizador (y el sampler) en un contexto de música de cámara. En este fragmento, se puede apreciar la interacción entre las diversas ideas musicales de los diferentes instrumentos acústicos y el sintetizador.

The second reason for prioritizing performative elements is that they enable not only playing but, above all, imagining more complete and rich music. By studying and developing certain technical musical skills, we train our hands, but mainly our listening and the ability to think about music. As we spend time developing the ability to interpret the instrument with a greater depth of nuances, our ability to listen and imagine becomes accustomed to thinking with that level of attention and, therefore, also enables creating with the same level of subtlety.

 

To develop this approach, it is much more convenient to work smartly than work hard. The best way to perform a piece is rarely to repeat it as is. The fastest path is usually not the direct one. A strategic approach that addresses challenges and difficulties with precision and understanding optimizes time and ensures a more solid interpretation later on. These strategies consist of technical exercises, routines that help develop certain skills that will be necessary to perform the pieces, and are often very personalized for each type of musical purpose.

 

The following example (in a seemingly non-classical electronic music context) is part of a series of studies to develop specific interpretative skills. “Plétora,” the first in this series, aims to explore the use of different sound sources within the instrument that are triggered and manipulated in very different ways (knobs responding at different speeds, faders, touch surfaces), alternating them very quickly. It requires attention to coordinate ideas and very different movements of hands in a short period. The study is also a preparation piece for the synthesizer configuration that I develop in my subsequent piece “MUR#03.”

El segundo motivo para haber priorizado los elementos performativos es porque posibilitan no solo tocar sino sobre todo imaginar música más completa y rica. Al estudiar y desarrollar ciertas destrezas musicales técnicas, entrenamos las manos, pero principalmente la escucha y la capacidad de pensar música. En tanto que pasamos tiempo desarrollando la capacidad de interpretar el instrumento con una mayor profundidad de matices, nuestra capacidad de escuchar e imaginar se acostumbra a pensar con ese nivel de atención y, por tanto, posibilita también crear con el mismo nivel de sutilidad.

Para desarrollar este enfoque, es mucho más conveniente trabajar inteligentemente que trabajar duro. La mejor manera de interpretar una pieza raramente es repetirla sin más. El camino más rápido no suele ser el directo. Un enfoque estratégico que trate los retos y dificultades con precisión y comprensión optimiza el tiempo y garantiza una interpretación más sólida posteriormente. Estas estrategias consisten en ejercicios técnicos, rutinas que ayuden a desarrollar ciertas destrezas que serán necesarias para interpretar las piezas y a menudo son muy personalizadas para cada tipo de propósito musical.

 

El siguiente ejemplo (en un contexto de música electrónica aparentemente no asociado a la tradición clásica) forma parte de una serie de estudios para desarrollar destrezas interpretativas específicas. “Plétora”, el primero de esta serie, tiene el objetivo de explorar la utilización de diferentes fuentes de sonido dentro del instrumento que se accionan y manipulan de manera muy distintas (potenciómetros que responden a velocidades diferentes, faders, superficies táctiles), alternándoselas de manera muy rápida. Requiere que la atención sea capaz de coordinar ideas y movimientos muy diferentes de las manos en un espacio corto de tiempo. El estudio es también una pieza de preparación para la configuración del sintetizador que desarrollo en mi pieza posterior “MUR#03”.

The use of scores in modular synthesizers is not an exception, nor is it common. In my music, it serves two purposes (neither of them is for others to perform the synthesizer parts): to help me remember the execution procedures for the performance of my pieces in the future and to show other musicians or conductors participating in the rehearsal and performances a reference as descriptive as possible of what the synthesizer part does. Both with synthesizers and other instruments, my approach prioritizes using notation as standardized as possible, no matter how unusual the results or procedures used may be. I consider it preferable to explore known codes to express new ideas than to say the same things with arbitrarily different codes.

El uso de partituras en sintetizadores modulares no es excepcional; tampoco común. En mi música cumple dos funciones (ninguna de ellas es que otras personas puedan interpretar las partes de sintetizador): ayudarme a recordar los procedimientos de la ejecución para la interpretación de mis piezas en el futuro y mostrar a los otros músicos o directores que participan en la pieza una referencia lo más descriptiva posible de lo que realiza la parte del sintetizador. Tanto con sintetizadores como con otros instrumentos, mi aproximación prioriza utilizar la notación lo más estandarizada por muy inusuales que sean los resultados o procedimientos utilizados. Considero preferible exprimir los códigos conocidos para expresar ideas nuevas que decir las cosas de siempre con códigos arbitrariamente diferentes.

Paradoxically, I conceive the moment of creating the score as a space of freedom. It is a moment when, after experimenting with the modular synthesizer to understand the musical ideas of the piece, I adopt a certain distance and isolation towards the instrument. Creating the score by hand, with its silent austerity, provides an ideal framework for focusing on imagining music. This is a moment of intimacy and decision-making. Imagining the sound (without physically hearing it) is also a recommended strategy for placing the synthesizer sound in relation to the other instruments. For the creation of “MUR#03” for synthesizer and orchestra, this process was especially relevant due to the magnitude of the instrumentation and the context used. Placing the synthesizer in that large space, imagining the behavior of the speakers in the orchestra hall in relation to the other 94 acoustic instruments, is easier in one’s own head, in silence, than if the synthesizer is physically sounding.

Paradójicamente, concibo el momento de la realización de la partitura como un espacio de libertad. Es un momento en el que, tras haber experimentado con el sintetizador modular para conocer las ideas musicales de la pieza, adopto una cierta distancia y aislamiento hacia el instrumento. Realizar la partitura a mano, con su austeridad silenciosa, posibilita un marco ideal para concentrarse en imaginar música. Este es un momento de intimidad y toma de decisiones. Imaginar el sonido (sin escucharlo físicamente) es, además, una estrategia recomendable para ubicar el sonido del sintetizador en relación con los otros instrumentos. Para la creación de “MUR#03” para sintetizador y orquesta, este proceso fue especialmente relevante, por la magnitud del instrumental y el contexto utilizado. Ubicar el sintetizador en ese gran espacio, imaginar el comportamiento de los altavoces en la sala de orquesta en relación con los otros 94 instrumentos acústicos es más sencillo en la propia cabeza, en silencio, que si el sintetizador está físicamente sonando

Luis Codera Puzo, 10.12.2023

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*This text summarizes the presentation by Luis Codera Puzo within the framework of the “Dialogues between Creators” organized by the BBVA Foundation on November 16, 2023. The presentation was titled “Electronics in contemporary creation” and also featured the participation of composer Iñaki Estrada.

Luis Codera Puzo, 10.12.2023

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*Este texto resume la exposición de Luis Codera Puzo realizada en el marco de los “Diálogos entre creadores” organizados por la Fundación BBVA el 16 de noviembre 2023. Estuvo titulada “La electrónica en la creación actual” y contó también con la participación del compositor Iñaki Estrada.